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L’hybridation de la musique haïtienne entre le rêve et la réalité
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Jean-Robert Noel on 01/02/2012 07:55:00
 
La musique est la langue du cœur et de l’âme. Elle n’a pas de frontière.
Elle va au-delà des océans pour toucher ceux qui aiment le beau, le vrai et le
bon. Les chansons bien conçues peuvent pénétrer  jusqu’au tréfonds de
l’être, où demeure la vérité qui fait resplendir l’amour universel.
Chaque pièce musicale doit être une création particulière, invitant à
l’introspection et à la communion des cœurs, tout aussi bien à celle des
âmes.
Le croisement musical et le langage des cultures
Aujourd’hui, on parle de cross over soit d’une forme de musique, d’un
artiste ou soit d’un groupe d’artistes. Le mot cross over est souvent mal
utilisé et mal compris dans l’industrie musicale haïtienne. Il peut
signifier un transfert d’un style de musique à un autre. Il veut aussi dire
réussir en dehors de la culture de son pays d’origine. C’est un terme qui
peut aussi traduire la fusion de deux styles de musique pour créer une nouvelle
forme qui souvent s’internationalise et offre un grand profit monétaire
allant souvent de l’ordre des millions. D’une façon générale, la musique
cross over est réalisée quand une chanson ou un album d’un certain style de
musique atteint une popularité incroyable dans un autre genre, dans d’autres
pays, dans d’autres cultures.
Contrairement à l’opinion publique, le cross over / crossing over ce n’est
pas le fait d’aller honorer un contrat dans un pays d’Europe, d’Asie ou
d’Afrique ou dans d’autres continents mais plutôt de faire accepter notre
musique et réussir à vendre des millions de disque à travers le monde comme
le Reggae et la Salsa. Le crossing over est quelque chose de permanent. Aucun
groupe musical haïtien n’a jamais atteint ce chiffre depuis l’existence de
notre industrie musicale. Le musicien haïtien peut aussi devenir  millionnaire
si les mesures nécessaires sont prises à temps. Qu’on ne s’illusionne pas.
Il nous faut simplement une restructuration de notre musique. Il faut rendre la
musique populaire haïtienne dans un style qui puisse plaire aux amants de
musique d’une autre culture. Les lignes mélodiques doivent être fortes,
captivantes, accompagnées d’une puissance vocale et des harmonies bien
conçues pour faire ressortir le merveilleux musical.
La meilleure chose que procure le cross over c’est qu’il offre un large
horizon à l’artiste qui y réussit ou le groupe d’artistes qui parvient à
traverser le pont menant vers la reconnaissance internationale. L’essence
demeure le fait que le cross over est souvent la combinaison de deux styles
différents de musique pour produire quelque chose complètement original. Il
faut se rappeler que l’originalité ne dépend pas de la matière mais plutôt
de la manière. Quelques groupes musicaux haïtiens avaient essayé une telle
combinaison et ne s’étaient même pas rendu compte. Ils l’ont discontinué,
peut-être par faute de connaissance musicale. Un autre groupe haïtien a eu
toute la chance de réussir dans ses démarches de traversée continentale
permanente « crossing over » mais la compagnie qui l’accompagnait avait dû
l’abandonner en pleine route. Les musiciens de cette formation musicale
n’avaient pas compris le côté business de la musique. Ils avaient aussi
perdu l’avantage de promouvoir un instrument qu’une compagnie étrangère
avait placé sur le marché international. Ils peuvent encore réussir.
L’opportunité est comme un oiseau, il faut la saisir au vol. Je trouve que la
diversité musicale haïtienne est une richesse qu’il faut exploiter au lieu
de diviser les tendances musicales. Aujourd’hui, on essaie de comparer le
compas direct «Konpa Dirèk» au rap créole. Certains prétendent que le rap
créole tend à pâlir le Compas-Direct et qualifient cette nouvelle forme de
«musique des jeunes». C’est archi-faux. Elle convie souvent un message que
les moins jeunes ne prennent pas le temps d’écouter. Ces groupes à tendance
Rap chantent la réalité haïtienne en créole. Ils créent un «beat»
entrainant sur lequel ils ajoutent des ingrédients créoles. Ils mettent à nu
les problèmes sociaux, économiques et politiques. Le carnaval représente
toujours leur medium d’expression pour dénoncer ce qui doit l’être. En
réalité, ils conservent l’essence créole et y ajoutent des éléments
musicaux qu’ils empruntent des autres formes de cultures. C’est bien une
forme d’hybridation. Certains artistes étrangers arrivent à combiner la
musique populaire à la musique classique. Ils ont ainsi découvert d’autres
cieux et réussi dans le monde international. Miles Davis ne s’adonnait pas
seulement au Jazz. Il avait élargi son horizon musical en fusionnant le jazz à
d’autres styles de musique.
La restructuration de l’univers musical haïtien
La principale raison qui fait échouer la musique populaire haïtienne est due
au fait que l’industrie musicale est saturée d’un certain genre de musique,
celui qui fait plus ou moins son affaire. Elle ne donne pas accès à d’autres
genres qui pourraient faciliter l’hybridation et du même coup rendre plus
facile la traversée transcontinentale de notre culture, particulièrement de
notre musique populaire. Notre musique ne respire pas. Tous les instruments
jouent en lead et fort. Encore une fois, qu’on se rappelle que jouer fort ne
veut pas dire bien jouer.  Les solos de guitares paraissent trop longs et
encombrants. Le cri strident des claviers / Keyboards  se ressemble trop et il
nuit même celui qui joue à l’instrument. Des fois, le chanteur est obligé
de se boucher les oreilles de ses mains. Il faut aérer l’espace musical
surtout quand le chanteur est à l’œuvre. Cela ne se fait plus. Les batteurs
jouent un peu trop fort et raclent trop la cymbale sans cause, du début à la
fin, « yo bat cymbal  la pou ryen, se sa ki kreye dezod mizikal ». Je trouve
que la cymbale pleurniche trop- « symbal rechiya ». Un batteur peut jouer à
feu doux sans déranger le groove. Il y a un courant musical qui prend forme et
gagne du terrain : le Jazz Haitien ou Jazz Créole. Je vois des batteurs Konpa
Dirèk qui se posent en batteur de Jazz, sans transition. Il faut qu’ils se
rappellent qu’il y a une différence entre jouer à la batterie et jouer du
Jazz à la batterie. En musique dansante c’est la section rythmique qui fait
danser, contrairement à ce que la majorité pense ou  nous fait croire.
Dans un de mes articles, j’avais mis l’accent sur l’importance de la
gamme. J’avais signalé qu’elle représente la charpente sur laquelle se
fonde la musique en général.  Elle représente l’alphabet de la musique en
général. À partir de la gamme, on peut choisir les notes pour composer la
mélodie, et tout aussi bien trouver les accords d’une chanson. J’avais
aussi  défini ce qu’est une mélodie, une note et un accord. Une mélodie est
une succession rythmique logique linéaire de notes jouées formant un air. Une
note se définit comme un symbole musical représentant un ton. Un ton est un
son musical. Il faut aussi dire que le bruit est aussi un son mais un son
indésirable, désagréable à l’oreille. Un accord est vu comme un groupe
d’au moins trois notes jouées simultanément pour produire un son harmonieux.
La musique en théorie universelle
Pour  déterminer la tonalité d’une chanson à partir du nombre de dièses à
la clef sur la portée, il faut considérer la quinte et la quarte de la note
fondamentale ? Par exemple, si on lit une partition et que l’on voit un
morceau  avec trois dièses après la clé de Sol sur une portée, cette
composition est en La maj. ou bien en  Fa dièse #  mineur.  Un morceau écrit
sur partition avec 4 dièses à la clef  est en Mi maj.   Les cinq signes
indiquant les altérations sont connus sous le nom d’accidents. Ce sont le
dièse (#), le double dièse (# #), le bémol(b), le double bémol (b b) et le
naturel. Le dièse  hausse d’un demi-ton la note qu’elle précède. Le
double dièse hausse le ton de 2-demi-tons. Le naturel restore la note à la
normale après avoir été altérée. Le bémol baisse d’un demi-ton la note
qu’elle précède. Et, le double bémol abaisse d’un ton entier la note
qu’il affecte. Il faut aussi considérer les équivalents enharmoniques, tels
que Fa dièse et Sol bémol, Ré bémol et Do dièse #, La dièse # et Si bémol
b.  Je rappelle que les gammes majeures des équivalents enharmoniques
comportent les mêmes notes (même fréquence de son)  mais ne s’écrivent pas
de la même manière (noms différents).
La gamme majeure suit une formule universelle : un ton, un ton, un demi-ton, un
ton, un ton, un ton, un demi-ton, puis la note de départ à l’octave. La
gamme de Ré majeure: Ré, Mi, Fa dièse #, Sol, La, Si, Do dièse  #, Ré. Tout
ceci se résume comme suit : Do = zéro (0) dièse, Sol=1 dièse, Ré= 2
dièses, La= 3dièses, Mi= 4 dièses, Si=5 dièses, F dièse #= 6 dièses. Pour
savoir le nombre de bémols dans une gamme, on part de Do. On prend la quarte de
Do en comptant 1, 2, 3, 4, (la gamme Do n’a pas de bémol).  La quatrième
note de la gamme de Do est la Fa. Ce qui nous permet de dire que la gamme de Fa
contient un seul bémol, le Si bémol (b).  De la note Fa, on compte jusqu’à
4, la quarte de Fa. La quatrième note à partir de Fa est la Si b (bémol). On
conclut que la gamme de Si bémol (b)  Maj. contient 2 bémols.
Pour trouver les accords d’une chanson on considère encore la gamme, et à
partir de la tonalité, on peut choisir 1-4-5 (majeurs) puis 2-3-6- (mineurs),
7e note un diminué). Ces chiffres représentent  les notes de la gamme  à
partir desquelles on forme les accords.  On peut aussi se référer à la
mélodie et à partir des notes qui la composent choisir les accords qui vont
avec la mélodie.  Depuis plus de 50 ans, beaucoup de nos  musiciens haïtiens
confondent le style et le rythme. Un rythme se définit comme une disposition
symétrique et une succession périodique des temps forts et des temps faibles
dans une phrase musicale. Pourtant, aujourd’hui, tous les musiciens sont
arrangeurs et se vantent de l’être, même s’ils n’arrivent pas à
pénétrer et maitriser le concept de chord voicings.
Le concept partiel de chord voicings ou voisement d’accords
Un vrai arrangeur doit comprendre le concept de « chord voicings » (voisement
d’accords) dans toutes ses facettes, c'est-à-dire comment arranger et jouer
les notes d’un accord pour rendre la pièce musicale plus captivante. D’où
ressort le concept d’harmonie.  Il faut qu’un arrangeur comprenne la clef de
chaque instrument qui compose l’orchestre pour bien arranger une composition
musicale, utilisant: le trombone, la trompette, le sax, la basse, la guitare, le
violon etc. La note Do d’un trombone diffère.  Si aujourd’hui je parle
d’un accord La mineur majeur 7è, certains musiciens haïtiens vont dire
qu’il est impossible qu’un accord soit mineur et majeur en même temps, sans
savoir que le 7è représente  l’intervalle majeur. Pour un accord  mineur, on
altère la troisième note. Au « La mineur » on ajoute la note Sol dièse #
(La min.Maj 7è).
La basse, le clavier « le keyboard » et la guitare ne peuvent pas jouer dans
la même portée.  Le mot voicing - la voix- en musique ne se réfère pas
toujours à la voix humaine.  On peut aussi parler de la voix des notes, donc
des accords, voisement d’accords (chord voicings). Le bassiste d’un
orchestre joue la note fondamentale (root) d’un accord.  Un chord voicing
(voisement d’accords) qui contient la note fondamentale devient redondant. Un
voisement d’accord  résonne d’une façon plus complète quand on y inclut
la troisième et la septième note de l’accord. Quand celles-ci se combinent
à la note fondamentale (root), elles définissent la qualité essentielle de
l’accord en question.
Une des façons d’altérer un voicing est de réarranger les notes de
l’accord en procédant à un déplacement d’octave c'est-à-dire en
replaçant la note de base dans une autre octave (renversement d’accord). Le
concept de renversement (inversion)  d’accord représente un exemple évident
de cette théorie. Le concept de mode doit être aussi respecté. Il traduit les
humeurs. Le mode majeur  exprime  la joie, tandis que le mode mineur traduit la
mélancolie, la tristesse, la peine. Certains de nos musiciens les utilisent
sans respecter les syntaxes musicales.  C’est triste. Si tous ces concepts
musicaux sont appliqués selon les recommandations des syntaxes musicales, la
musique populaire haïtienne  pourra traverser les frontières, être acceptée
comme le Reggae, la Salsa et apporter aussi des millions à nos musiciens. Et,
tant qu’on ne procède pas à l’hybridation de la musique populaire
haïtienne, le crossing over  permanent  ne restera qu’une illusion des
musiciens haïtiens. La musique est une profession comme toutes les autres. Si
on vit de la musique, il faut qu’on la prenne au sérieux. Le musicien doit
être capable de vivre de son métier. Le marché haïtien est maigre. Il faut
essayer d’étendre vos tentacules au-delà des frontières.
robertnoel22@yahoo.com